Moda no Gótico Tardio – Anos 1350 a 1450 (Parte lll)
A corte da Borgonha, onde os cortesãos disputavam status em inúmeras variações de houppelandes, huques e acompanhantes, continuou a dominar a moda na Europa durante esta década. Enquanto isso, na Itália, onde encontramos alguns dos primeiros designs de moda sobreviventes, estilos distintos inspirados na antiguidade clássica sinalizavam uma nova direção.
Na Moda feminina durante esta década, a mudança mais notável não foi um novo estilo de vestimenta, mas sim uma mudança no corpo da moda idealizado. Grandes cabeças ovais, ombros estreitos e torsos alongados com abdome inchado, características já vistas na década de 1420, tornam-se muito mais pronunciadas na década de 1430, sendo reforçadas pela postura e pelo gesto. As mulheres são frequentemente mostradas inclinadas para trás e empurrando os quadris para a frente, às vezes segurando o comprimento extra de suas roupas na frente de suas barrigas arredondadas para que pareçam estar nos estágios avançados da gravidez para parecerem saudáveis(Fig. 2).
Entre os anos de 1348 a 1350, a peste negra matou um terço da população Européia.
Durante a peste era comum entre as mulheres o "Pregnancy Look" (estilo gravidez), elas
vestiam um travesseiro sob a roupa para simular estarem sadias a ponto de carregarem um
bebê no ventre. Quem sobreviveu à peste prosperou, tornou-se rico em um curto espaço de
tempo. Mostrar a riqueza adquirida entrou em jogo através da extravagância no vestir. Foi
nessa época, na segunda metade do século XIV, que surgiram os primeiros sinais do que
chamamos hoje de “moda”.
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| Fig. 2 - Artista desconhecido (francês). Detalhe de Duas Mulheres em Borda Floral, Horas de Margarida de Orléans , ca. 1430. Manuscrito. Paris: Bibliothèque Nationale, Latin 1156B, fólio 172r. Fonte: Gallica |
A base do vestido feminino permaneceu a camisa de linho , a roupa de baixo básica usada por todas as classes. Por cima foi um vestido de corpo inteiro com um nome diferente em cada país e região, como kirtle na Inglaterra, côte-hardie na Borgonha e na França e cotta ou gamurra na Itália. A maioria dos vestidos femininos eram feitos de lã, já que os tecidos de seda eram acessíveis apenas à aristocracia e à classe média rica. Para prolongar a vida útil da peça e obter um ajuste suave e justo, os vestidos eram forrados em linho.
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| Fig. 3 - Artista desconhecido (Holanda). Detalhe das Tapeçarias de Caça de Devonshire: Falcoaria , década de 1430. Tapeçaria; 445 x 1075,9 centímetros. Londres: Victoria and Albert Museum, T.202-1957. Fonte: VAM |
Em primeiro plano de Falcoaria (Fig. 3) ,uma das quatro Tapeçarias de Caça de Devonshire representando cortesãos da Borgonha envolvidos em seu esporte favorito e misturando-se com pessoas do campo, vemos uma jovem de pé ao lado de uma roda de moinho com seu vestido dobrado, mostrando o forro de linho de suas saias viradas para cima, bem como sua camisa por baixo . Os tecelões de tapeçaria representaram a chemise usando um padrão geométrico repetido em baixo contraste, sugerindo que era feito de um damasco de linho; o babado na barra é um detalhe interessante, destinado a sustentar as saias rodadas do vestido. O vestido verde claro é muito justo na parte superior do corpo e nas mangas, que fecham o antebraço com botões e são viradas para cima no pulso para formar um punho. A jovem também usa uma peça de linho com gola aberta que preenche o decote do vestido; é mantido no lugar por laços sob os braços.
Estilos semelhantes podem ser vistos em As Horas de Margarida de Orléans , um manuscrito iluminado feito em Paris ou Angers por volta de 1430, onde duas figuras em miniatura em uma borda floral decorativa usam vestidos que contrastam em cor e ajuste (Fig. 4). A jovem de vermelho, cujos cabelos longos e expostos sugerem que ela não é casada, usa um vestido com cadarço na frente e um partlet de linho com gola. As mangas arregaçadas no pulso revelam o forro de linho do vestido, ou as mangas compridas da camisa, formando os punhos.
As tapeçarias de Devonshire Hunting representam a moda mais elaborada desta década (Fig. 7). Uma versão mais contida, mas não menos luxuosa da moda borgonhesa é mostrada com grande precisão no famoso Retrato de Arnolfini , uma pintura a óleo de Jan van Eyck, que a assinou e datou em 1434 (Fig. 8). Os temas da pintura não eram aristocratas, mas um rico comerciante, que se acredita ser Giovanni Nicolao Arnolfini, e sua esposa. A família Arnolfini era originária de Lucca, o principal centro italiano de tecelagem de seda no século anterior; a partir de 1419, estabeleceram-se em Bruges como negociantes de tecidos e outros artigos de luxo (Koster). A esposa do retrato usa um vestido de seda azul sob um houppelande de lã verde forrado de pele branca. Os sinais de luxo em seu traje são discretos, mas inconfundíveis; as mangas de seu vestido terminam em faixas bordadas com ouro, e seu cinto é decorado de forma semelhante. Ela usa um colar de ouro duplo e dois anéis de ouro, mas o maior luxo é visto na houppelande, fluindo em abundantes dobras de lã fina para arrastar no chão. Verde era uma cor cara para produzir, pois exigia tingimento excessivo de amarelo com azul (St. Clair 214). Como se fosse consumir o máximo possível desse tecido caro, o houppelande foi feito com mangas de bolsa que pendem quase até o chão e são decoradas com tiras de lã verde que foram rosadas, dobradas e torcidas para criar uma textura ricamente contrastante para a lã lisa e sedosa. Esta é uma forma mais complexa do daggingtécnica vista em décadas anteriores. A representação da esposa no retrato de Arnolfini ilustra como a moda reforçou o ideal contemporâneo de beleza.
‘’O retrato pintado por Jan Van Eyck, “O Casal Arnolfini” de 1435, mostra o rico comerciante Giovanni Arnolfini e sua esposa Giovanna Cenami, vestidos à moda da época. O homem veste casaco de veludo, camisa preta acolchoada com bordado de ouro nos punhos, meias pretas cobrem suas as pernas. O chapéu indica sua riqueza. No canto inferior esquerdo, um sapato poulaine. A esposa usa uma sobreveste de lã verde com mangas tipo saco e debrum em pele na cor creme e cintura muito alta. Ela não está grávida. Esse é o famoso “pregnancy look”, comum nesse século, que simula uma gravidez mostrando como ela pode ser fértil para o marido numa época em que a expectativa de vida era baixa e as crianças morriam ainda pequenas. Mostrar gordura na parte de baixo do quadril também insinuava mais chances de sobreviver numa época em que muitos passavam fome. A veste de baixo tem a cor azul. Ela também tem os cabelos da testa raspada e usa um crespine com um véu em fino linho.’’
Cocares
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| Fig. 10 - Robert Campin (francês, 1378-1444). A Woman , 1435. Óleo e têmpera de ovo sobre carvalho; 40,6 x 28,1 cm (15,9 x 11,1 pol.). Londres: The National Gallery, NG653.2. Fonte: Galeria Nacional |
O cocar consiste em cinco camadas de linho, cada uma com bordas onduladas. Van Eyck retratou sua esposa Margareta usando um cocar em 1439, com um toucado de seda preta cobrindo seu cabelo (Fig. 9). Embora os véus de linho branco (Fig. 10) não estejam suspensos em um andaime imponente de fios, como nas cabanas aristocráticas estilo, as camadas de linho branco ampliam o tamanho aparente da cabeça, em proporção aos ombros estreitos e seios pequenos. No retrato de Arnolfini, podemos apreciar como a cintura alta alonga a parte inferior do corpo e como o gesto de levantar o comprimento extra na houppelande cria a ilusão de um abdômen grande e arredondado.
Enquanto a moda ajudava as mulheres a alcançar a beleza ideal no norte da Europa, um ideal novo e diferente, influenciado pela antiguidade clássica, estava surgindo na Itália. Pisanello retratou um membro da família d'Este de Ferrara vestindo um vestido e houppelande com pregas dispostas de modo a assemelhar-se às caneluras das colunas clássicas (Fig. 11). Bordado na manga pendurada do houppelande está um vaso cravejado de pérolas, lembrando um vaso de prata de um antigo tesouro romano. Seu penteado, preso com tiras de linho, é outra alusão à antiguidade. Se não for o próprio cabelo exposto da babá, pode ser um exemplo do balzo, um cocar usado por mulheres italianas durante esta década. O balzo era uma estrutura de arame ou salgueiro coberto com tecido ou cabelo; um exemplo maior é mostrado em um desenho de Pisanello (Fig. 12). Assim como os cocares usados no norte da Europa, o balzo fazia a cabeça de uma mulher parecer maior, um efeito que era intensificado ao depilar as sobrancelhas e a linha do cabelo. A forma bulbosa do balzo coroava a silhueta alongada criada pelo houppelande de cintura alta de uma mulher, arrastando-se pelo chão (Fig. 13).
Adorno Borboleta, Coração e Hennin
Numa era de arquitetura gótica, onde altas torres se erguiam em direção ao céu, não era diferente no vestuário. Se as vestimentas femininas eram simples, seus adornos de cabeça se tornaram cada vez mais altos e exagerados. Havia inúmeras formas de enfeites de cabeça e uma imensa variedade de penteados elaborados e fantásticos que duraram até o fim do século XV. Era comum os cabelos serem penteados para trás, escondidos em redes. No final de 1400, os fios que cresciam na testa e nas sobrancelhas eram raspados para que o chapéu fosse a atração principal.Os cabelos divididos ao meio e torcidos na lateral do rosto eram guardados na crespine (rede de cabelo) que tinha estrutura de arame e era usada nas laterais do rosto e adquiriu uma forma cilíndrica ou esférica, com uma forma pontiaguda de aparência de chifres. Esse adorno corniforme surgiu por volta de 1410 e sobre essa estrutura prendia-se o véu.
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| Adorno Borboleta |
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| Adorno coração |
Mas foi o Hénnin (ou campanário), que conhecemos hoje como chapéu de bruxa ou de fada que atingiu proporções extremas. Ele surgiu na década de 1400. Era na forma de cone
pontudo (70, 80 ou 90 cm) em seda ou veludo com um véu preso na parte mais alta. Com o
auxílio de vários arranjos de arame o véu era disposto na parte superior do cone e às vezes
caía até o chão. Havia também o modelo de dois cones, um de cada lado da cebeça. O
hénnin logo evoluiu para uma exibição de status pois o tempo de preparação elaborada, bem
como a maneira lenta e deliberada da mulher andar só poderia ser mantida pelos ricos com
tempo ocioso.
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| Hennin |
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| Hennin |
1440-1449
A década de 1440 é um momento importante de transição. No norte da Europa, foi o último suspiro de longos houppelandes e cocares em forma de chifre. O duque Filipe, o Bom da Borgonha consolidou sua imagem como o “homem de preto”, e as mulheres de sua corte perderam sua aparência arredondada e curvada. A silhueta da moda tornou-se mais nítida e angular. Os franceses recuperaram parte de sua antiga influência sobre a moda à medida que recuperavam mais território dos ingleses na Guerra dos Cem Anos e à medida que sua economia melhorava. A moda italiana a princípio interpretou os estilos do norte, depois buscou naturalismo, simplicidade e uma conexão com o vestuário dos antigos gregos e romanos.
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| figura de Maria Salomé usa um vestido de lã verde sob uma pesada roupagem exterior chamada houppelande.No decote, vemos novamente um vislumbre da camisa de linho sob o vestido de renda frontal. O houppelande de lã é inteiramente forrado de pele. Vestido está preso na cintura alta, enquanto o cinto de Maria Madalena está pendurado baixo em torno de seus quadris. Como sua vestimenta exterior, Maria Madalena usa uma capa com gola que cai até os quadris; é da mesma lã vermelha do vestido, com um fino recorte de cordão dourado nas bordas e bordados dourados na bainha.Os cocares das mulheres, no entanto, são simples e de estilo conservador. O de Maria Madalena é um véu de linho enrolado em sua cabeça e preso no lugar; |
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| Fig. 5 - Petrus Christus (Holanda, 1410-1475). Um ourives em sua loja , 1449. Óleo sobre painel de carvalho; 100,1 x 85,8 cm (39 3/8 x 33 3/4 pol.). Nova York: Museu Metropolitano de Arte, 1975.1.110. Coleção Robert Lehman, 1975. Fonte: The Met |
Outra mudança significativa se reflete na tapeçaria. A volumosa houppelande estava dando lugar ao vestido justo, usado sozinho ou sobreposto. O vestido tem um novo decote em V profundo, enfatizado com recortes contrastantes e preenchido com um pequeno pedaço de tecido chamado partlet. A guarnição reaparece como punhos nas extremidades das mangas estreitas e ao longo da bainha do vestido. O excesso de comprimento alonga a silhueta e garante um comportamento lento e imponente.
No final da década de 1440, a moda feminina no norte da Europa era bem diferente. A mulher elegante já não assumia uma postura oscilante com o abdómen empurrado para a frente, equilibrando o peso de um pesado houppelande preso à cintura; ela estava de pé em um vestido justo com um decote revelador e um cinto largo na cintura natural. Suas mangas não eram mais volumosas bolsas de tecido, mas retas e estreitas. Seu cocar não era mais em forma de chifre, mas cônico e cada vez mais alto. Alguns historiadores atribuem essas mudanças à influência de Agnès Sorel, amante do rei Carlos VII da França. Sorel foi amante do rei de 1444 até sua morte no início de 1450, aos 28 anos. Ela foi a primeira amante real a ser oficialmente reconhecida e ocupou uma posição poderosa na corte . Ela foi criticada por ter trens em seus vestidos que eram um terço mais longos que os das princesas e por usar decotes muito decotados. É possível que, em vez de inventar novas modas, ela simplesmente levasse as tendências ao extremo. Ela foi lembrada como a personificação da beleza ideal da época, que tinha pele extremamente pálida, sobrancelhas e testa depiladas e traços delicados.
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| A pintura representa Giovanna degli Albizzi,a jovem dona de perfil, usando vestimentas preciosas incluindo uma gamurra da época. Contra o pano de fundo de uma parede escura, onde se abre uma estante com alguns objetos, destaca-se o retrato da mulher nobre, em pose de pé e de grande dignidade, embora suavizado pelas curvas das costas e do peito, e da indumentária faustosa com cores brilhantes e quase esmaltadas. |
Ref. Bibliográficas
https://fashionhistory.fitnyc.edu/1430-1439/
https://fashionhistory.fitnyc.edu/1440-1449/
http://modahistorica.blogspot.com/2013/05/a-moda-na-era-medieval-parte-3-anos.html
https://pt.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanna_Tornabuoni
Alguns textos foram adaptados e traduzidos para o português.
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